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音楽（おんがく）とは、音のもつ様々な性質を利用して、それを時間の流れの中で組み合わせて、感情や思想を音で表現したものである。 音楽の定義には、「音による芸術」といったものから「音による時間の表現」といったものまで、様々なものがある。（ #定義　） 音楽は以下の3つの要件があるともされる[要出典]。 材料に音を用いる。 音の性質を利用して組み合わせる。 時間の流れの中で材料（音）を組み合わせる。 そのため、リズム（律動）、メロディー（旋律）、ハーモニー（和音）をもつものが音楽とされる。そして、このような特性をもつ音を様々な方法で発したり、聴いたり、想像したり、楽しむ行為のことをも指す。広くは人間が楽しめたり、意味を感じたりすることのできる音全体のことをさす場合もある。 音楽の歴史は有史以前まで遡ることが出来る。（ #歴史 ） 音楽の要素は、リズム、メロディー、ハーモニーの三要素からなる、と考えられている。 （#要素）。 音楽行為に関しては、現代では一般に「作曲」「演奏」「鑑賞」の3方面が基本として考えられている。作曲とは、作曲者の心に感じた事を音によって表現することである。演奏（えんそう）とは、再現芸術ともよばれ、作曲された音楽を実際に音として表現する行為であり、原曲を変えて演奏したり（編曲）、声楽曲を器楽曲に変える等（編曲）する行為も演奏行為とされる。（ #演奏　）。鑑賞とは音楽を聴いてそれを味わったり、価値を見極めたりすることである。 音楽には様式があり、それを「ジャンル」と呼んでいる。「民族音楽」「クラシック音楽」「ジャズ」「ロック」などといった名称で呼ばれているのがそれである（　#ジャンル　）。 近年では人々の音楽を聴く行為を統計的に見ると、再生音楽が聴かれている割合が多くなっている。（ #生演奏 / 再生音楽　） 古き時代においては「音楽をつくる人」「演奏する人」といった区分は無く、人は音楽をつくり、かつ演奏していた。継承された曲を演奏するとしても、明確に「作曲家」「演奏家」などと区別する必要は無かった。民謡は本来、作曲者不詳の自然発生的な音楽であった。 西洋音楽が宗教音楽から宮廷音楽と進むにつれ、支配者層の庇護のもと権威付けの意味から格付けが行われた。また、実際面では、楽器の進化と要求される演奏技術の高度化、多数の楽器の使用、音量を増すための多人数化などから分業化の必要があった。 近年になりレコードの流通が進むと、ポピュラー音楽では「販売枚数」という経済的指標が最優先になることにもなった。工業生産品となった音楽は、製作のための初期投資がかかるため、リスク回避のために作曲家と演奏家の分業化がすみやかに定着した。 ただ、ひとりひとりの音楽家の行為全体に着目してみると、やはり「作曲家」「演奏家」といった区分はあまり明確なものではなく、社会的認知または得意分野を目安に外部から与えられた便宜上の分類とも言えよう。 日本での音楽家の歴史 日本においては、平安時代になると、音楽（雅楽）の専門として芝、東儀、豊の三家が制定され、世襲により現在まで続いている。また鎌倉時代には視覚障害者保護のため「検校」の官位が生まれ、後に当道座が整備されて、それに属する盲人は専門家として平曲（平家琵琶）、江戸時代にはそれに加えて三曲（地歌三味線、箏曲、胡弓）の占有が認められた[3]。これが盲人音楽家の地位を保証し、近世邦楽の発展を支えることになる。その他、室町時代から能楽は武家の式楽として、能楽師たちは身分を保障されていた。江戸時代には浄瑠璃など、専門家の権威付けとして、芸道を管轄する役所「嵯峨御所」に届け出、認可されると家元として一派を構えることができた。また演奏家の優劣を評する「番付」がしばしば発行された。一派を立てるには、みずから作曲して独自性を示すことが求められるが、日本の音楽においても演奏家は作曲家を兼ねていた。